SyarifShadow

Dadang Rukmana and Realistic Image

2007-12-19T06:51:00.000-08:00

Words: Syarifuddin

Dadang Rukmana
Judul:Penjual Blewah, Medium: Akrilik di atas kanvas

The tendency to paint realistically has been quite strong in East Java. Due to unknown reasons, realistic painting managed to grab sufficient attention from year to year. Realistic painting does not necessarily mean realism but at least refers to the realistic image. If we observe the surrealism that has developed in East Java, this genre has also received much attention until present time. The present popularity of surrealism may be due to the fact that its techniques are similar to realistic painting. The second reason is that surrealistic painting offers wide possibility of themes and allow for the freedom from the limitations of realism. In surrealism, the superimposition of objects upon another is possible. This liberates the artist in constructing images.

One of the artists who is keen on realistic painting until now is Dadang Rukmana. He studied paintings under Barli Sasmitawinata. Barli's painting tradition and industriousness seem to make a strong impact on Dadang Rukmana. His neat and accurate brush on the canvas and paper is always deliberate. This is reflected not only in his works but also in how he prepares his equipment before painting. It seems that accuracy in preparing the equipment is an important part of making his work.

His choice of objects that will be out on his canvas is always made consciously and intentionally. Such a process not only requires significant amount of time, but also a lot of patience as well. On one occasion he gave vent to his impatience with the piece he was working on. Usually he takes time to leave his canvas alone and return to it afterwards.

Looking at his pieces, his attention to the minutiae of representing images of objects according to nature is beyond doubt. Take for instance several of his works such as “Penuh Muatan” (Fully Loaded). The painting depicts a bicycle commonly used by vegetable vendors to peddle from village to village. Dadang Rukmana are interested in many variegated themes. He is not limited to painting market, sellers or laborers. Lately these themes are quite strong, even dominant. However, this tendency, especially in terms of his choice of theme, are only part of many other themes that he has taken up. Realistic painting happens to be his choice this time. Dadang Rukmana is no stranger to other styles such as cubist, abstract and expressionistic ones.

Back to the bicycle, we can see that the tone of the rust color is executed in painstaking detail. This is by no means a simple task, since it will take several process to create the rust appearance. Dadang Rukmana is a master of many media, but he is particularly well-known for his versatility in water color. His watercolor brushes are time-consuming. First, he lays down the dominant colors. In this case, when the general tone of the painting is green, he will take up that color first and then turns to the red one.

His obsession with neat and well-crafted works has driven him to explore. It is no wonder that many painting techniques in various media are included in his vast repertoire of skills. Watercolor and acrylic paint are among the media that he has studied and the result is quite convincing, without any hint of mere tinkering or slavish imitation. He is not averse to high-tech gadgets, such as camera and computers, in trying to improve his works to the fullest. Dadang Rukmana, who used to live in Ubud for some time, is now living with his family in Malang. (Syarif).

Ian dengan Photoshop 0.7

2007-12-19T06:47:00.000-08:00

Ini ada kesalahan format. Format awal dari gambar ini CMYK, karena rencananya buat cetak di Kanvas. waktu saya save di jpg lupa, belom aku ganti mode-nya ke RGB jadinya warnanya aneh........(kapan-kapan aja saya ganti yang RGB)

Saya buat dengan Corel Draw 11

2007-12-19T06:35:00.000-08:00

KAlo ini, saya buat dengan Corel Draw 11. Ikut-ikutan sok vector...hehehehe...Prosesnya sama, saya bikin sketch-nya juga di Corel pakai mouse butut, bawaan komputer sejak pertama kali dapet.......

Photoshop 0.7

2007-12-19T06:31:00.001-08:00

Ini, foto sahabat saya. Saya buat juga dengan photoshop. Seneng karena bisa bikin banyak efek seperti kalo kita melukis di kavas. Kuas yang diciptakan dengankombinasi sendiri, bikin melukis serasa memakai kuas kesukaann.....

saya buat dengan Adobe Photoshop 0.7

2007-12-19T06:21:00.001-08:00

Ini proses awal saya suka bikin di photoshop. Semua prosesnya, juga sketch saya bikin di komputer. Saya membuatnya dalam satu layer, pengennya memperlakukan seolah-olah tetap melukis di kanvas ato kertas dan cat air

learn 2

2007-12-19T06:07:00.001-08:00

ini propsesnya juga sama, saya buat tahun 2000. Proses scan dan diwarna di komputer

learn

2007-12-19T06:02:00.000-08:00

Gambar ini sudah saya buat lama sekali. Tapi baru bisa saya publish. Prosesnya dari scan terus saya warna lewat komputer

PAINTING IN THE ERA OF DIGITAL REPRODUCTION

2007-12-18T08:35:00.000-08:00

The Prophecy of Benjamin
In 1939, Walter Benjamin wrote an essay entitled “The Work of Art” that sparked a long and vigorous debate, especially with Adorno. They had their differences in viewing art work. Adorno, on the one hand, believed in the genius of the artist and high modernism that is far beyond the reach of the masses. In Adorno's interpretation, the masses is no better than floating carcass and no more than a pawn in the calculation of capital. On the other hand, reproducing art work using mechanical means is an effort that will provide the opportunity for capitalists to treat the masses as mere objects. The reason is that in mass production, the producer always has free rein over what products that will be manufactured. Producer always calculates the potential of profit, with the consequence that even when the product or art work is not worthy, it will be mass-produced anyway if the producer calculates that it can provide enough financial return. On the other hand, Benjamin held a different view. His logic goes like this: if a work is mass-produced, then the masses will be able to obtain works of art. In Benjamin's writings we see subtle beginnings of the idea that art work is part of the social class system that was taken up by Bourdieu. The ownership of the art work is part of the system of social class distinction. Later, long after Benjamin, Bourdieu stated that the value of art is unlike what philosophers have thought it to be, especially Kant, who held that an art object contains the artistic value within itself and cannot be influenced by space and time. However, this proposition is challenged by Bourdieu, who said that the value of art objects are social construction and that the value does not exist in itself but formed by the dominant class. In several of his writings, Bourdieu stated this idea with strong emphasis. He said that art is actually an arena of class struggle but the struggle itself is not apparent because it is veiled by the doctrine of artistic value.

Digital Imaging: Painting with the Computer
Starting from the debate above, many questions and problems appears. At least there are several points of departure which are noted down in writings to spell a few ideas about reproductive art. One of the idea takes it up from Benjamin's statement that art works since the beginning always has reproductive character and are always “quotation”. He said that the works of a master will always be “quoted” by his students. Since works of art are always reproduction, Benjamin did not call his essay as “The Work of Art in The Age of Reproduction”, but he emphasized his point by adding the word “mechanical”, that is: “The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction”. The title itself emphasizes the idea of the age of mechanical reproduction as an affirmation to the idea that works of art are basically reproductive. However, by adding the word “mechanical”, I think Benjamin tried to give a sort of context to his writing. During Benjamin's lifetime, one outstanding mechanical invention reached its peak of development, that is the printing technology in the midst of bubbling turbulence of industrial growth. The hub-bub of technology in those times has provided the impetus for Benjamin to write down in his essay that paintings will be challenged by photography, that theater will be challenged by movies. The same anxiety about the challenge posed by photography appeared among the painters. Even Paul Delaroche (1797-1856), who studied under Baron Antoine Jean Gros, declared that “from now on, painting is dead!” Delaroche's statement was a cue that the photographic technology will soon be spread far and wide and enable people to achieve identical mimesis, and surpass even the wildest dreams of artists in those days.
Alas, Benjamin's prophecy of the upcoming challenge for paintings by photography has receded. Its ebbing away is not caused by the superiority of paintings over photography but because photography flirts with digital technology. This combination results in the capability of producing photographs that are far better, or even totally different from the original shot taken by the photographer. This difference is only made possible by the advanced computer processing.
At present, the frequent use of computer is becoming a daily necessity for most of us. Paintings is not immune from this development. The advanced technology and fast stride in the development of computer software for painting simulation has been quite impressive. Several software that are commonly used for this purpose is Adobe Photoshop and Corel Painter. These two software are commonly used by computer graphic (CG) artists to produce graphical images, complete with textures and brush strokes that are hardly distinguishable from real paintings.

Several notable CG artists whose works are quite representative of this genre is Linda Bergkvist (Sweden), Melani Delon (France) and several others. These two artists are among the more sophisticated among their fellows, at least according to this prominent site for CG artist, CGtalk.com. Melani won the award as best artists in France for CG category. While Matt Dixon, one of the CG artist who is quite skillful in making textures and computer images, produced work that looks like oil painting. When we browse the CG site or Linda's official website, we will be presented tips and tricks or more commonly known as tutorial.

By looking at one of the tricks that was presented by Linda Berkvist, we could see that CG tricks is quite complicated and involve many steps. The execution of the steps is as long and complex as painting on canvas with oil, especially in terms of toning colors. If the oil technique involve putting layers over layers of color where one waits for a layer to dry before superimposing another, the same thing is also done by CG artists, the difference being that they do not have to wait for any oil paint to dry, thanks to the graphical art software, then set the opacity or transparency variable, to fit the desired tone. Anne Morgan Spalter from Brown University, in her book Computer in Visual Art, made a prediction about the future of virtual painting. What was predicted by Walter Benjamin has been fulfilled, however in a way that is even beyond the prediction, though not everything that Benjamin predicted has happened. Take the case, for instance, of his prediction about the distribution that will break the boundaries of property asunder, which in a sense is a kind of obliteration of social class distinction. The hope of unlimited distribution is based on the power of mechanical technology (read: also including digital technology). However much less sophisticated methods are available to maintain the distinction. Public distributions of video art and other digital works is usually degraded and if the work is made to contract, then the winner of the contract will be provided with the same work in higher quality. In this way, what Benjamin has predicted is partially fulfilled, but not in a way that can assuage commodification and class distinction.

Painting in Digital Age
The world landscape that is being crowded by digital images not only builds a bustling arena for digital graphics or painting with computers. However, in a certain sense, the advances in computer technology can also be said to bring contribution to the good-old brush-and-canvas painting. It appears that the advances in computer technology is actually aimed at mimicking the ordinary methods of painting perfectly, however this perfection does not cause artists to switch entirely to computer in paintings. The softwares actually enrich the artists' tool in painting on the canvas. Many artists now show the impact of their encounter with the computer. We can see many artists are now using effects such as blurred, twisted, inverted color, etc., which was first introduced by the computer. This is quite clear from the work of many artists. This is a sign that the tendency to paint on canvas is not so dead as what have been predicted. (Syarifuddin)

Tulisan Prof.Dr. I Bambang Sugiharto untuk seminar Biennale Jawa Timur 2007

2007-12-16T04:07:00.000-08:00

DEMATERIALISASI SENI

DAN DAMPAKNYA

Oleh : Bambang Sugiharto[1]

Seni modern, sekurang-kurangnya dalam konteks modernitas Barat, telah ditandai dengan pergumulan panjang untuk senantiasa memerkarakan medium representasinya sendiri. Pergumulan dalam memersoalkan kanvas, bahkan untuk melepaskan diri darinya, misalnya, memuncak pada Marcel Duchamp. Sejak itu seniman tak lagi berada dalam tarikan gravitasi kanvas, menjadi lebih bebas mengungkapkan gagasan-gagasannya lewat segala media yang mungkin. Memang ironis, bahwa ketika hari-hari ini orang merayakan “berakhirnya subyek” (Foucault) atau “matinya sang pengarang” (Barthes), seni justru semakin menjadi semata-mata pernyataan pribadi.[2]

Pergeseran dari representasi “obyektif” menuju gagasan dan ungkapan pribadi serta cara dan sarana pengungkapannya yang juga sesukanya itu, telah mengakibatkan lahirnya demikian banyak bentuk karya seni, sampai tak jelas lagi distingsi antara mana karya seni mana yang bukan. Seni visual telah demikian melebar, hingga kategori “visual art” itu sendiri menjadi kian tak jelas. Dalam kategori “visual art” itu bisa tercakup material apa saja : dari materi tubuh dalam perfrormance art, berbagai bentuk gas yang tak tampak, energi telepatik, proyek-proyek alam skala besar di tempat terpencil atau pusat kota, intervensi terhadap institusi sosial-politik, hingga jaringan internet, berbagai produk komputer dan karya elektronik macam poskard, rekaman bunyi, video,dsb. Karakter, identitas, struktur khas seni dan apa artinya menjadi seorang seniman menjadi kabur pula. [3]

Paradoks inheren

Dalam gelagat “dematerialisasi” seni macam di atas itu, muncul paradoks: di satu pihak segala teori dan sejarah seni dicurigai dan didekonstruksi, di pihak lain kerangka-kerangka teoretis sekaligus justru menjadi sangat menentukan dalam rangka memberi pertanggungjawaban atas karya-karya yang bentuknya tak jelas atau bahkan “immaterial” itu. Di satu pihak segala konsep aliran berkategori “isme” dari abad lampau tak lagi relevan, di pihak lain seni menjadi amat-sangat konseptual. Gene Youngblood menggunakan istilah “eksperimental” untuk menyebut tendensi mutakhir seni itu. “All art is experimental, or it isn’t art”, katanya.[4] Ketika Walter Benjamin mensinyalir hilangnya “aura” dalam seni modern akibat teknik reproduksi, kini teknologi digital sudah melampaui tahapan “reproduksi” itu dan lebih ke arah “produksi”, alias penciptaan bentuk-bentuk yang sama sekali tak mengacu lagi pada realitas. Kalau Baudrillard berbicara banyak ihwal “simulasi”, barangkali Virilio lebih tepat, ia bicara tentang “substitusi”. Simulasi masih mengandaikan realitas acuan tertentu, substitusi lebih radikal, ia menggantikan segala acuan samasekali. Artinya dunia virtual yang diciptakan teknologi digital sudah demikian jauh hingga berbagai “isme” yang masih mengandaikan konsep dasar tentang “representasi” kenyataan terasa kurang relevan kini.[5]

Makalah ini akan melihat konsekuensi lebih jauh dari dunia seni yang serba tak menentu itu, dengan cara mengaitkannya pada situasi problematis sosio-kultural lebih luas, dan kemudian meninjau ulang peran seni dalam horizon sosio-kultural kontemporer.

Gema lebih jauh Duchamp dan Warhol

Istilah “berakhirnya seni” yang kerap digembar-gemborkan oleh para tokoh macam Adorno, Danto, Burgin, Kosuth, Foster, dsb. , kendati telah menjadi hiperbolisme yang nyaris kedaluwarsa, toh dari sudut essensi masih cukup bagus merumuskan pergeseran paradigma seni sekitar empat dasawarsa terakhir ini.[6] Perkataan “Berakhirnya seni” tentu tak pernah bermakna secara harfiah hilangnya seni sama sekali, melainkan semacam imbauan untuk memikirkan ulang hakekat dan makna seni bagi kehidupan umumnya, dalam berbagai perubahan paradigma sosio-kultural hari ini. Dalam kerangka itu Warhol adalah salah satu kunci pemahaman yang tetap penting. Di satu pihak, Warhol meradikalkan pertanyaan ala Duchamp ihwal “apa itu seni”, dan dengan itu menyeret seni ke arah kesadaran filosofis, sekaligus ke arah “dematerialisasi” seni. Atau dengan omongan bombastis Joseph Kosuth, lukisan dan patung telah “selesai” sebab telah ditenggelamkan oleh idea umum “Seni” (dengan capital “S”), yaitu Seni sebagai Filsafat. Di pihak lain, pada saat yang sama Warhol pun sekaligus justru melepaskan seni sama sekali dari segala pretensi filosofisnya. Dan sejak itu seni menjadi apa saja, bentuknya pluralistik, praktiknya pragmatik, dan medan seninya multikultural. [7]

Kubu lain pun seperti berramai-ramai mengamini gelagat baru itu. Poststrukturalisme, misalnya, juga tak lagi melihat ada yang layak disebut “seni”. Yang ada hanyalah “representasi”, dalam arti bahwa bahkan sejarah seni maupun teori seni pun kini merupakan sekedar bagian dari “teori representasi”. Yang ada hanyalah sejarah dan teori representasi, yang perlu ditelaah dari sudut produksi tekstual dan resepsi psikologis. Bila dalam kerangka Realisme, hilangnya kenyataan real (diganti yang virtual) berarti sekaligus hilangnya konsep “representasi “, maka dalam kerangka Poststrukturalisme, kenyataan real hilang karena pada dasarnya segala hal hanyalah siasat representasi . Dalam bahasa Marxis, seni tenggelam dalam dominasi praksis “imaji”, terperangkap jaringan raksasa komoditi dari ekonomi tontonan, dimana seni kehilangan jati-diri.[8]

Akibat dari itu semua adalah bahwa sesungguhnya tak ada lagi paradigma utama yang dominan bagi praktik seni maupun kritik seni. Lantas seni menjadi sangat berragam , sekaligus tanpa ukuran pijakan, dan diwarnai ketidakpedulian. Atau barangkali kini keterukuran memang tak penting, sebab seni bukan lagi obyek kontemplasi , melainkan sekedar siasat komunikasi dan presentasi diri, tindakan penentuan diri yang unik, atau sebuah proses yang senantiasa berjalan.

Satu hal jelas, bahwa sejak Duchamp dan Warhol, seni bukan lagi produk artisan, ia menjadi sekedar pandangan selektif pribadi atau cara unik memandang kenyataan. Pandangan unik seorang seniman cukuplah untuk mengubah suatu obyek menjadi karya seni. Dan dengan menggunakan komputer, kamera foto, video, multimedia,dsb. setiap orang bisa menjadi seniman. Standar ukuran kesuksesannya sama dengan yang biasa dipakai dalam menilai kesuksesan sebuah band pop misalnya. Ia tidak dinilai berdasarkan sebuah kanon historis tertentu, melainkan berdasarkan keluasan tingkat penyebarannya, yang ditunjukkan dengan posisinya dalam daftar klasifikasi macam daftar anak tangga lagu Billboard. Refleksi diganti dengan penilaian satistik-numerik, kata-kata diganti dengan jumlah angka, seperti : jumlah pengunjung, jumlah tulisan di koran, keseimbangan neraca , pengakuan kolega,dsb.dsb. Diterima atau tidaknya karya itu oleh institusi, museum atau galeri, tak lagi terlalu penting.

Seni kontemporer adalah kelanjutan dari Avantgardisme dan Pop-art dalam arti ia memiliki karakter “pop” juga, yaitu sangat menekankan kekinian ( hic et nunc) yang ahistoris dan kebaruan yang diskontinu. Pada titik inilah museum yang persis bersandar pada historisitas dan kesinambungan menjadi seperti kehilangan arti. Sejarah masa lalu tak lagi sangat menentukan. Sejarah menjadi kekinian abadi. Seni merayakan kenyataan yang efemeral, kontekstual dan bahkan banal.[9] Kehidupan sehari-hari menjadi tempat bermain para seniman sebab ia menyimpan potensi-potensi bagus untuk mensubversi dan mentransformasi nilai-nilai yang baku, beku dan mapan. Kehidupan sehari-hari juga bernilai karena ia adalah konteks nyata yang langsung memengaruhi hubungan-hubungan manusia beserta segala evaluasinya, sebuah konteks nyata untuk penciptaan kembali diri dan subyektivitas.

Sisi lain seni kontemporer adalah bahwa ia pun hidup dalam modus yang tak sinkron, spektral dan traumatik, seperti diamati dengan tajam oleh Hal Foster. Seni kontemporer banyak berkubang dalam trauma menyangkut hal-hal yang telah terkorbankan, terkebiri, terbungkam atau termarginalisasi akibat berbagai idealisme dan kemanusiaan yang sesungguhnya tak jelas.[10] Ia juga di satu pihak dihantui bayangan masa lalu yang penuh karya besar para maestro, sekaligus cemas atas berbagai bentuk bencana kehancuran di masa depan. Penanda dari berbagai jaman lantas dicampuradukan atau dibentur-benturkan dalam suatu struktur visual, semacam upaya keras mensinkronkan yang sesungguhnya tak sinkron. Masa lalu dilihat sebagai gudang misteri yang memberi kemungkinan bagi sensasi, sekaligus bagi fantasi pribadi dan harapan kolektif yang tersisa namun tersembunyi. Pada saat yang sama segala khasanah masa lalu dikomplikasikan dengan ciptaan baru, atau sekedar diberi pigura baru dan tak lazim untuk dengan sengaja menonjolkan ketidaksinkronan.

Ada pula kecenderungan transgresif, sebab kini seni pun gemar mengeksplorasi segala batas dan pembatasan, menggugatnya sebagai kesewenangan yang tak perlu, sambil meyakini bahwa pada dasarnya hidup tak mengenal batas. Semacam transgresi Foucaultian, sebuah sikap untuk melabrak segala batas yang dicekokan pada kita tanpa alasan. Ambang batas adalah wilayah tak bertuan, titik temu dan landasan untuk berkreasi, sekaligus untuk memperkarakan segala otoritas dan oposisi dualistik yang tak mesti (publik-privat; tinggi-rendah; murni-hibrid; ingroup- outgroup,dsb).

Dari sisi itu semua, seni kontemporer dapat dikatakan berkarakter “nomadik”, nomadik dalam arti Deleuzian : seni kontemporer adalah mikronaratif yang berkembang terus, yang produksi dan disseminasi ideanya bergerak melalui jaringan rizomatik. Ia merupakan proyek kolektif yang memupuk pluralitas idea dan menumbuhkan jaringan hubungan kreatif tanpa henti dan tak pernah terduga.[11]

Predikamenta Global

Kini mari kita tengok sekelebat situasi buruk dalam skala global, baik pada tataran teoretis maupun praksis. Di wilayah teoretis, kaum intelektual abad 21 dirundung ketidakpastian secara radikal. Segala kategori dasar yang dahulu memungkinkan realitas terpahami kini diperkarakan. Ideal humanisme liberal dan rasional, keyakinan akan kemajuan yang telah dikembangkan sejak abad Pencerahan, kepercayaan akan adanya nilai dasar intrinsik yang bersifat universal, juga pandangan tentang subyek, obyek, teks dan tindakan yang otonom, kini semuanya ditentang.[12] Kini orang memandang segala hal sebagai sementara, fana, tak memadai dan tanpa dimensi transcendental. Identitas dan subyektivitas manusia pun tak lagi dilihat sebagai suatu keseluruhan yang utuh, melainkan polimorf, terfragmentasi dan tanpa pusat. Dunia simbol-simbol kini maknanya plural, dasarnya digugat, vokabulari dan ikonografinya bercampuran, bergeseran. Kebudayaan dan pengetahuan dilihat sebagai konstruksi-konstruksi produk permainan kekuasaan.[13] Kepercayaan pada kebenaran absolut dan obyektif diganti dengan berbagai kemungkinan kebenaran baru, mencakup skala luas, dari relativisme radikal hingga konsep kebenaran yang bernegosiasi.

Dalam wilayah praksis, dunia dijangkiti hilangnya koherensi, dilanda erosi konsistensi, dan menderita longgarnya kohesi. Memudarnya prinsi-prinsip tradisional dalam dunia modern kini diperparah dengan hilangnya wacana yang bersifat normatif akibat berondongan gerakan kritis mikropolitik identitas dimana-mana. Lebih buruk lagi, penggunaan terror dalam berbagai gerakan itu telah mengakibatkan munculnya suasana saling mencurigai pada skala global, dan lalu merangsang berbagai upaya kontrol sistematik atas individu. Seperti halnya suasana tahun 60-an, kini muncul kembali slogan “the personal is political”. Tapi lebih dari itu , hal-hal personal kini juga sekaligus bersifat ekonomis, karena teknologi kapitalis, khususnya teknologi media, semakin menentukan juga dalam membentuk interioritas individu. Ia bahkan mengeksteriorisasi interioritas yang paling intim. Pabrik-pabrik mimpi dari kapitalisme telah membawa efek totalisasi, yakni menciptakan ilusi kebebasan dan kepuasan, yang sebetulnya menyembunyikan pemiskinan determinasi-diri individu.[14] Ini semua telah menjebloskan individu ke dalam banyak penjara struktur kekuasaan , penjara keragaman pendapat yang saling bertentangan,. Individu lantas tercabik-cabik dalam subyektivitas yang heterogen.

Reposisi Seni

Hidup dalam banyak struktur kekuasaan telah memicu munculnya banyak kerancuan yang berbahaya. Dunia masa kini ditandai dengan banyaknya kerancuan, misalnya : antara turisme dan migrasi klandestin, desa global dan disinformasi, ekonomi global dan ekonomi barter, pengunggulan perbedaan dan fanatisme identitas yang intoleran, realitas dan fiksi, dsb.dsb. Seni sebagai interaksi kritis antara pengalaman, imajinasi dan pikiran, berpotensi untuk membantu kita menyadari kerancuan-kerancuan yang seringkali tersembunyi itu secara efektif. Sensibilitasnya terhadap pengalaman-pengalaman traumatik dan atas segala bentuk retakan memungkinkan seniman menyelam ke balik permukaan, seringkali dengan cara memperkarakan permukaan atau mempermainkannya.[15]Ini tentu menuntut kesadaran sang seniman sendiri ihwal kompleksitas dan sisi-sisi ilusoris kenyataan. Sebenarnya kesadaran macam ini bukan hanya privilese para seniman, melainkan tuntutan bagi semua orang yang hendak ber-evolusi dan ber-emansipasi.

Dalam dunia yang diwarnai paradoks antara homogenitas dan heterogenitas, dimana di satu pihak kreativitas personal dicekik atau diserap oleh mesin komersial kapitalis, dan di pihak lain diri individu ditekan oleh visi tentang “liyan” yang heterodoks, kalau pun ada yang layak dirayakan, maka itu adalah survival individu dan penciptaan kembali identitas. Tapi dalam dunia macam ini identitas adalah proyek yang ambigu. Dalam bahasa Deleuzian, identitas adalah soal bagaimana mikropolitik bisa melahirkan “tranversalitas” dalam interaksi dengan yang makro. Identitas adalah sesuatu yang terbentuk lewat interrelasi dinamis dengan yang “lain”, suatu aliran dengan berbagai mutasi nilai-nilai, suatu sosok yang dibentuk oleh saling ketergantungan antar jaringan. Dalam kerangka Foucaultian, identitas hanyalah sebuah permainan, suatu siasat untuk mempromosikan hubungan sosial tertentu, yang selalu membawa korban pada pihak lain tertentu, yang membuat yang lain itu tak bisa didengar. [16]

Dalam aneka tegangan macam itu, kekuatan seni akan terletak pada kemampuannya mengidentifikasi dimana dan bagaimana subyek kontemporer mencari perlindungan atau melarikan diri dari kekerasan permainan, dan bagaimana konsep tentang “identitas” -sebagai kategori yang dipasti-pastikan- seringkali menyembunyikan ketakberdayaan dan kemarahan. Tapi secara lebih produktif seniman dapat mendukung dan menciptakan ruang-ruang alternatif baru yang memungkinkan permainan kekuasaan yang berbeda dan jaringan yang berbeda pula, yang dapat menyalurkan aspirasi baru dan karenanya membentuk rasa-kedirian yang selalu berkembang, kedirian yang “nomadik”. Dengan begitu, manakala “dunia seni” seperti menghilang, hubungan essensialnya dengan kehidupan luas justru makin terbilang.

Kepustakaan

Adorno, theodor, Negative Dialectics, trans E.B.Ashton (New York : Continuum, 1973)

Burgin, Victor, The End of Art Theory : Criticism and Postmodernity ( Atlantic Highlands, NJ : Humanities Press International,1986)

Berleant, Arnold, Rethinking Aesthetics (Burlington : Ashgate Publishing Company, 2004)

Danto, Arthur, Philosophical Disenfranchisement of Art ( New York : Columbia University Press, 1986)

Danto, Arthur, After the End of art ( Princeton : Princeton University press, 1997)

Debord, Guy, The Society of the Spectacle, trans. Donald Nicholson-Smith ( Cambridge : Zone Press, 1994)

Deleuze, Gilles, and Guattari Felix, A Thousand Plateaus ( London : Continuum, 202)

Deleuze, Gilles, Negotiations ( New York : Columbia University Press, 1995)

Foucault, Michel, “What is Enlightenment”, dalam Paul Rabinow (ed), Michel Foucault, Vol I, Ethics ( New York : The New Press, 1997)

Foster Hal, The Anti-Aesthetic : Essays on Postmodern Culture ( New York : New Press, 1983)

________, The Return of the Real ( Cambridge ,Mass : the MIT Press, 1999)

Gablik, Suzi, Before the end of Time ( New York : Thames and Hudson Ltd,1995)

Homans, Peter, Symbolic Loss (Charlottesville : University Press of Virginia,2000)

Sim, Stuart, Beyond Aesthetics ( New York : Harvester Wheatsheaf, 1992)

Stiles, Kristine et al (ed), Theories and Documents of Contemporary Art : a source Book of artist’s writings (Berkeley : University of California Press, 1996)

Wallis, Brian, Art After Modern ism: Rethinking Representation (New York : The New Museum of Contemporary Art, 1984)

1] Bambang Sugiharto, Gurubesar Filsafat, spesialisasi Estetika kontemporer, masalah budaya dalam Postmodernisme dan ilsafat lmu. Kini mengajar di Fakultas Filsafat Universitas Parahyangan dan Pascasarjana Senirupa ITB. Bandung. E-mail : ignatiussugiharto@yahoo.com

[2] Memang ada paradoks disini : Duchamp awalnya seperti hendak melebur jarak antara kehidupan real dan seni dengan mengangkat pengalaman langsung dan realitas wadag yang tersedia secara wantah. Tapi kemudian avantgardisme yang lahir daripadanya justru terperangkap dalam eksklusivisme subyektif yang justru melepaskan seni sama sekali dari kehidupan. Perdebatan menarik ihwal dampak dari Dadisme bisa dilihat dalam Hal Foster, The Return of the Real ( Cambridge, Mass : the MIT Press, 1999) hlm 1-34

[3] Bandingkan Michel Rush , New Media in Late 20^th-Century Art ( London : Thames and Hudson, 1999) hlm 7-10.

[4] Bagaimana perkembangan mutakhir seni erat berkorelasi dengan perkembangan wacana teoretis lihat Kristine Stiles et al (ed), Theoiries and Documents of Contemporary Art (Berkeley : University of California Press 1996) hlm 156-180

[5] Bandingkan Jean Baudrillard, “The Ecstasy of Communication” dalam Hal Foster (ed), The Anti-Aesthetic (Port Townsend, Washington :Bay press, 1983) hlm 126-134; juga Virilio, dalam John Armitage “From Modernism to Hypermodernism and Beyond : an interview with Paul Virilio, dalam Theory, Culture and Society, Vol. 16, numbers 5-6 1999 hlm 25-56

[6] Lihat berbagai klaim “berakhirnya seni” pada Victor Burgin, The End of Art Theory: Criticism and Postmodernity (Atlantic Highlands,NJ: Humanities Press International,1986); Arthur Danto, Philosophical Disenfranchisement of Art (New York : Columbia University Press,1986); juga T.Adorno, Negative Dialectics (New York : Continuum, 1973)

[7] Situasi perluasan medium dan pola ekspressi seni ini telah mengakibatkan sejarah seni bukan lagi sejarah perkembangan objek melainkan menjadi dinamika evolusi persepsi. Seni menjadi sesuatu yang ada dalam persepsi, bentukan objeknya menjadi tak terlalu penting.. Menjadi “The Art of the Unseen”, kata Arnold Berleant. Bandingkan Arnold Berleant, Rethinking Aesthetics (Burlington : Ashgate Publishing Company, 2004) hlm 111-128

[8] Bandingkan Rosalind Krauss, “The Originality of the Avant-Garde : A Postmodernist Repetition”, dalam Brian Wallis, Art After Modernism : rethinking representation ( New York : The New Museum of Contemporary Art, 1984) hlm 13-30

[9] Bandingkan dengan Peter Bürger, Theory of the Avant-Garde (Minneapolis : University of Minnesota Press, 1984) hlm 65-72

[10] Bandingkan Hal Foster, The Return of the real, hlm 99-120

[11] Lihat uraian yang lebih lengkap ihwal nomadologi Deleuze ini dalam Deleuze and Guattari, A Thousand Plateaus (London : Continuum, 1988) hlm 492-99

[12] Bandingkan Hal Foster (ed), The Anti-Aesthetic, essays on postmodern culture ( Washington : Bay Press, 1983) hlm ix-xvi

[13] Segala sistem, baik itu sistem symbol, sistem logika, sistem kedirian atau kebudayaan, kini cenderung dilihat sebagai “Tubuh tanpa organ”. Ini istilah dari geolog Denmark Hjelmslev yang lantas dijadikan konsep kunci oleh Gilles Deleuze. Lihat Deleuze et al. A Thousand Plateaus, hlm. 43-50

[14] Kompleksitas persoalan yang menimpa konsep subyek individu dalam corporate capitalism saat ini dapat dilihat pada artikel Frederic Jameson “Postmodernism and Consumer Society” dalam Hal Foster (ed), The Anti-Aesthetic, hlm 111-120

[15] Bandingkan James Young ,”Against redemption : The Arts of Countermemory in Germany Today” dalam Peter Homans (ed) Symbolic Loss (Charlottesville : University Press of Virginia, 2000) hlm 126-46

[16] Bdk. Michel Foucault, dalam Paul Rabinow (ed), Michel Foucault : ethics (New York : The New Press,1997) hlm 87-108